Luglio 2026: esce al cinema il film l’Odissea, del regista Christopher Nolan.

Sapevamo già della realizzazione di questo film, poichè quando siamo andati a Favignana a Maggio 2025, avevano appena terminato le riprese al castello di Santa Caterina, scelto dal regista come ambientazione per Itaca.

Ci sarebbe molto da scrivere su questa opera, ma se ne è già parlato davvero tanto sui social, da punti di vista diversi e molto interessanti, che offrono spunti, letture, interpretazioni, collegamenti all’attualità: mi limterò a fare alcune considerazioni relativamente a un paio di temi che mi hanno particolarmente colpito e fatto riflettere, che riguardano in particolare la metafora del percorso dell’anima per ritornare “a casa”.

Le sfide dell’anima: il canto delle sirene

Tra tutte le sfide che Ulisse deve affrontare per ritornare ad Itaca, la rappresentazione del canto delle sirene è quella per me più d’impatto: egli si trova davanti a qualcosa che sa che, ancora una volta, lo porterebbe a perdersi.

E’ l’attrazione per qualcosa di irresistibile: la seduzione dell’ignoto (per noi forse il potere dell’adrenalina??), ma anche della conoscenza, del piacere, di ciò che vorremmo essere e realizzare, il conseguimento dei nostri ideali e della perfezione.

Ma tutto ciò non è altro che un miraggio, portatore di delusione e disperazione, quando si mostra l’altra faccia della medaglia: l’impossibilità di raggiungere quanto ambito; il realizzare che quello che avevamo, e che ci rendeva felici è perduto per sempre, e i sentimenti di rammarico e nostalgia che ne conseguono; ma anche il dolore per un tempo mancato che non si può più avere indietro da vivere, che genera rimpianto; e la tentazione di fuggire dalla verità dolorosa che il diventare coscienti delle proprie debolezze, colpe, responsabilità, il guardarsi dentro con onestà, comporta.

Ascoltare tutto questo senza un paracadute terrebbe Ulisse ancora lontano dalla sua casa, da sè stesso, dalla sua anima, e lo distruggerebbe. Ma lui vuole ascoltare e con un atto di consapevolezza, coraggio e saggezza, decide di farlo, elaborando uno stratagemma per non cadere nella trappola. Vuole conoscere, pur sapendo che ciò gli procurerà dolore, e gli farà vedere verità scomode. Il cammino verso casa comporta che ciò che non è autentico debba venire alla luce, gli inganni devono essere smascherati, le menzogne che ci si è raccontati devono essere rivelate, i falsi valori o ideali svelati. Quello che si è stati e si è diventati, le parti peggiori di sè, o quelle agite nell’incoscienza, devono uscire dall’ombra, affinchè non lavorino nel buio, portandoci fuori strada, e lontano da casa. 

Il percorso della coscienza spesso è doloroso, ma il richiamo, qualcosa dentro che non ti fa sentire in pace, che grida e aspira alla verità, è piu forte, se si hanno orecchie per ascoltarlo.

Mi è  piaciuta questa lettura:

“È  come se ciò a cui teniamo custodisse al nostro posto la memoria della direzione da seguire.”

Ma occorre sempre un atto di volontà, una scelta, il coraggio di ascoltare: trovare un modo, come ha fatto Ulisse, di “legarsi” per sapere, reggere, e non scappare più

«Com’era il canto delle sirene?»


«Era esattamente come vorresti che fosse, e poi tutto quello che non vorresti aver desiderato.

Era il delizioso prurito che vorresti grattare, ma è sotto la pelle e non puoi arrivarci, quindi da delizioso diventa insopportabile.

Quello che vuoi di più è quello che meno puoi avere. È quello che meno puoi avere è quello che avevi già, e che hai perso.

Era il canto di tutte le promesse che non ho mantenuto. E mi ha detto che non voglio tornare a casa veramente.»

La scelta del ritorno

Esiste una parte incontrollabile di destino che interviene nelle nostre vite, e ogni intemperia è una sfida alla motivazione del nostro ritorno a casa.

Sono le nostre scelte a determinarne l’esito?

Io credo che a volte sì; a volte si fa quel che ci è possibile in quel momento, in funzione anche della nostra storia personale, e del punto in cui siamo del nostro percorso. A volte le sfide sono fatali, forse interviene il karma o chissà; a volte non si raccolgono neppure. A volte, invece, è proprio la sconfitta dovuta a una sfida persa a cambiare tutto.

Il momento più emotivamente coinvolgente per me dell’Odissea di Nolan è stato quando Ulisse, dopo aver rimosso per anni, e poi ricordato, il dolore della guerra e le sfide catastrofiche, essere sceso negli inferi, e aver visto le parti piu oscure e abberranti di sè e dell’animo umano, pieno di sensi di colpa e del peso della responsabilità, SCEGLIE.

Non fa la scelta più comoda, ovvero quella di restare con la bellissima ninfa Calipso,  – una bella vita in paradiso, nel paese dei balocchi-, – che lo ha accolto e accudito nell’oblio quasi indispensabile per la sopravvivenza (come spesso nei momenti dolorosi): nel profondo della sua anima arriva a sentire che non è quello il suo “posto”, o il suo modo giusto di vivere.

E’ giunta l’ora di tornare a casa – inteso che casa è dove la nostra anima può riposare e trovare un pò di pace; dove possiamo abbandonarci a noi stessi, calare maschere e corazze, essere vicini ai nostri sentimenti e dove ritroviamo i nostri affetti, dopo aver combattuto le nostre battaglie, elaborato le nostre sconfitte, perso e ritrovato la direzione, essere caduti vittime dei bisogni e dei pericoli, delle illusioni e delle seduzioni, che hanno imposto deviazioni al nostro ritorno.

Talvolta è più facile combattere, piuttosto che mollare il controllo e la convinzione di avere potere su tutto. E’ più facile anche che accettare il proprio castigo e la resa. Che, tuttavia, è l’unico modo per guardare la verità in modo onesto, accettarla, e per cominciare a vivere veramente secondo ciò che l’anima ci richiede.

Per fare questo, per tornare a casa, Ulisse (come credo tutti noi) deve rinunciare a combattere, lasciarsi andare alla corrente, fare un atto di fede.  E’ questa resa che gli consente il ritorno, e lui questa volta non deve fare niente, deve solo abbandonarsi: Calipso, che gli enuncia questo, lo rassicura che gli dei gli verranno in soccorso.

“Devi consegnarti alla tempesta, consegnarti a Poseidone, e accettare il tuo castigo.

Zeus non gli permetterà di ucciderti. 

Rinuncia a combattere, rinuncia al controllo e VIVI.

È  un atto di fede che non hai ancora mai fatto.”

                                                                                                                                   (Calipso)

Mi trovo d’accordo con chi dice che il viaggio di ritorno di Ulisse ad Itaca è il viaggio di tutti noi, della nostra anima verso casa, verso la parte più autentica di noi, quando la coscienza prende il sopravvento e le lezioni sono state apprese, e i tempi sono maturi perché questo accada.

L’universo, o gli dei in quel caso, cospirano a nostro favore, per portarci a riconoscere quello che siamo veramente, i nostri desideri profondi, e la nostra essenza.

E ogni cosa che possa stimolare il risveglio, che possa supportare il viaggio, far riflettere, quando “ci si consegna alla tempesta“, la trovo buona e giusta. Anche un kolossal sul grande schermo, che riprende un grande poema non perfettamente fedele alla storia, ma che mette in campo gli archetipi, cioè le figure e i modelli che appartengono a tutta l’umanità presenti nell’inconscio collettivo, e racconta il cammino e le sfide che, simbolicamente, chiunque di noi decida di intraprendere il viaggio si può trovare ad affrontare.

agosto 2026

tutti gli articoli su opere d’arte

Opere

Si chiama proprio così, “Ladies and gentleman” , la mostra con opere di Andy Warhol che si può vedere in questi giorni (14 marzo – 19 luglio 2026) al Palazzo dei Diamanti nella bella Ferrara.

Un’esposizione, tra l’altro, riproposta cinquant’anni dopo la prima edizione del 1975-76, tenutasi nello stesso posto.

Un personaggio alquanto particolare Andy Warhol, si nota dai pochi filmati che lo riprendono quasi impacciato, e con espressioni talvolta inquietanti, e dai suoi autoritratti, nonostante il suo essere genio indiscusso e padre della innovativa pop art, affermatasi negli anni 60. Ovvero quell’arte che utilizzava immagini della cultura popolare, oggetti comuni, prodotti del consumismo e della pubblicità, personaggi famosi ma anche “diversi” o emarginati, come base per le sue opere di grande impatto comunicativo, che favorivano la diffusione dell’arte e della culturale tra le masse

Dotato di grande capacità di osservazione, come da sua frase

e come risulta evidente nell‘esposizione dai numerosi autoritratti, e ritratti di persone dello spettacolo o sconosciuti, anche dando luce a tematiche scottanti come l’identità di genere con la rappresentazione delle sue drag queen, e nella ricerca del particolare, di espressioni, attraverso fotografie, scattate con la sua polaroid, o opere di altri, poi riempite di colore, di pennellate, di elementi che suscitano emozioni, e che trasudano bellezza, o con serigrafie che permettevano la riproduzione in serie, quindi il “”maggior consumo”, la maggior diffusione e possibilità di fruizione, con il fine di rendere l’arte “democratica”

Tra i più conosciuti ritratti ci sono quelli di Marilyn Monroe, di Mao Tse-Tung, ripetuti e con diversi colori ed evidenziazioni, di Mick Jagger, Liza Minnelli, Grace Jones, e le iconiche copertine degli Lp dei Rolling Stones e di altri artisti

Una frase particolarmente profetica di Andy Warhol, che risale agli anni 60, si legge alla fine della mostra

 “In futuro, tutti avranno diritto a 15 minuti di celebrità”

A che prezzo, lui, morto nel 1987, non ha potuto vederlo

Bella come sempre Ferrara

bello il Palazzo dei Diamanti

Bella la mostra, le luci, le pareti, il gioco di specchi di alcune sale…

Bello tutto ciò che un artista riesce a suscitare, e a stimolare come riflessione

aprile 2026

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ASSISI, Bansky e Gio Evan

Opere

Oggi racconto di un viaggio in cui all’inizio ti chiedono di slacciare le cinture di sicurezza..

È un viaggio nelle storie di alcune donne, personaggi di una produzione del Teatro delle Temperie, il teatro del mio paese, dei cui sempre toccanti spettacoli, ho spesso scritto: 5 scene, con 2 interpreti, ambientate nel bagno, luogo che è metafora dell’intimità, e dei segreti più reconditi che si nascondono nell’anima. Un posto dove la verità, quando è il tempo, come i bisogni fisiologici, non può fare a meno di uscire, non lasciando più spazio alle bugie e alle maschere: davanti allo specchio del bagno, o comunque all’interno di quelle quattro pareti, ci si ritrova di fronte a se stessi, e alla propria vita.

I personaggi raccontano di tradimenti: quelli delle madri, che tramandano alle figlie un ruolo tradizionale, e non accettano quando quest’ultime non si riconoscono più in quel ruolo e in quella vita, e della ferita di abbandono che causano loro. Quelli delle figlie, -necessari per liberarsi,- quando queste si accorgono che non riescono, o non vogliono più aderire a quei ruoli assunti per eredità, per educazione, o per cultura, che spesso hanno fatto loro credere di volere cose che non erano quelle che realmente volevano, con tutta la sofferenza e lo smarrimento che ne consegue. Raccontano della necessità di trovare una nuova identità, di “ripartorirsi”, e del bisogno di cominciare ad ascoltarsi, cosa che nessuno, forse, ha mai insegnato loro a fare.

Raccontano di conflitti interni vissuti, di quando “scende la catena”, e non ce n’è più per nessuno (o, come dicono,  “scoppia la bolla nel cervello”), con la voglia di rompere con quello a cui non si appartiene più. Una presa di coscienza di ciò che sembrava vero,- una vita famigliare, un’idea, un’aspettativa, un sentimento,- qualcosa che riempiva la vita, che poi si rivela idealizzato, senza consistenza, o che si sgonfia, o muta, lasciando la sensazione di delusione, di essere in trappola, con l’impeto inarrestabile di voler buttare tutta la propria vita all’aria, o nel cesso appunto, perchè si intravede una possibilità di liberarsi, e si riesce finalmente ad immaginare una vita diversa.

E, anche, di quando, non volendo riconoscerli, i conflitti, si manifestano come una forza dentro che esplode in incontrollabili attacchi di panico, impossibili da gestire. Di quando, per sopravvivere, si arriva ad anestetizzare i propri sentimenti; o di quando si resta bloccati da qualcuno che fa leva sulle paure, che paralizzano, e rendono incapaci di accorgersi che non c’è nulla di vero in quello che vogliono fare credere.

Toccano anche l’assenza di solidarietà femminile, e l’emergere talvolta di una certa perfidia, che sconfina nell’esercizio di quel potere, che si sente di non avere sulla propria vita, sulla vita di un altro simile, con l’arma della paura.

E, soprattutto, raccontano del vuoto: della solitudine profonda che questo genera quando non ci si riconosce più, non si sente più un‘appartenenza, non ci si sente capiti, o quando si vede il mondo attraverso un vetro, e lo si percepisce, -e ci si percepisce,- irraggiungibili, con la sensazione che nessuno si accorga che c’è qualcuno dall’altra parte dello schermo; di quando un’aspettativa nutrita piomba nella realtà, e fa cadere tutte le illusioni, come un bozzolo che doveva contenere un sogno, a lungo custodito e curato, che rivela il niente che c’è all’interno. E anche di quando accade che il vuoto è nella pancia, fisicamente, in un utero che non si può riempire, e nella credenza comune che la vita, e la persona, perda di valore.

E poi c’è il vuoto che lascia la morte di una madre, la mancanza di qualcuno sopra di noi, che veglia, qualcuno nei cui pensieri sappiamo essere sempre presenti, che è dentro di noi, nel bene e nel male. Che dobbiamo arrivare a tradire, e talvolta lasciare andare, anche prima della sua morte fisica, lei o la sua eredità, per essere libere. E per le più “fortunate”, si può intravedere anche la possibilità del recupero di una parte saggia, che insegna ad essere resilienti, ad essere in grado di affrontare la vita al meglio, nonostante le intemperie da attraversare.

In definitiva, lo spettacolo ci mette davanti ad esseri umani che si trovano a guardare nella loro vita cio’ che esiste davvero, o non esiste più, o non è mai esistito. Esseri umani che si interrogano e che forse hanno cominciato da poco a vedersi e a darsi le loro risposte, con una buona dose di coraggio. A donne che apparentemente sembrano fuori di sè, ma questo essere fuori di sé è cosa buona, poichè è frutto dell’aver guardato finalmente dentro di sé. Persone che comprendono che, a volte, fare la cosa sbagliata, o che il mondo ritiene tale, può essere la cosa giusta, per loro stesse. Temi densi che possono far risuonare dentro ad ogni spettatore qualcosa che lo riguarda.

“Bagno per signore” è l’ennesimo spettacolo di Andrea Lupo che fa il suo dovere: da dà pensare.

Una delle mie prime riflessioni, a caldo, alla fine, è stata che viene difficile credere che il testo sia stato scritto da un uomo, per le corde che tocca, insinuandosi nei meandri dell’animo e della storia femminile. È magistralmente interpretato, e con grande coinvolgimento, da 2 attrici che si rivelano bravissime e capaci di far emozionare, Silvia Frasson e Mara Di Maio.

E’ uno spettacolo toccante, che, se si accetta di slacciare le cinture di sicurezza, come richiesto, puo’ far viaggiare in territori impervi e scottanti, ma che contengono importanti verità.

Perché, volenti o nolenti, è la verità, che rende liberi, non le illusioni.

dicembre 2024

foto: Teatro delle Temperie

https://www.teatrodelletemperie.com/events/bagno-per-signore/

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Opere

Quando ascolto quello mi succede davanti a un capolavoro, comprendo nella pratica che è vero che il linguaggio dell’arte è un linguaggio universale, che parla al cuore delle persone. Che tocca qualcosa che appartiene a tutti, nonostante tutto, e nonostante noi, e sopra al livello della coscienza.

Ero a Roma per lavoro, e mi sono trovata, per caso, a dover modificare il mio itinerario, percorrendo via del Corso, da Piazza Venezia, per andare verso Piazza del Popolo.

Arrivando davanti alla chiesa di San Marcello del Corso, un pannello ha catturato la mia attenzione: c’era scritto che all’interno della chiesa era esposto, per un breve periodo di tempo, un dipinto del Cristo di Dalì

Io una mostra di Dalì l’avevo vista a Matera, nel dicembre 2021, e mi era piaciuta moltissimo: in molte parti della città si potevano ammirare le sue sculture più famose, e all’interno di una chiesa rupestre era stata allestita una mostra stupenda dal titolo “La persistenza degli opposti”, dove si trovavano alcuni dei famosi orologi molli e molte altre sue opere.

Non ci ho pensato quindi 2 volte ad entrare nella chiesa, e poco oltre l’ingresso, in uno spazio raccolto, dai toni del rosso, mi è apparso, flebilmente illuminato, il grande dipinto: ho subito capito di essere davanti ad un capolavoro.

Il Cristo di San Juan de la Cruz, o Cristo di Port Lligat, è stato ispirato a Dalì dal frammento piccolissimo di un disegno di San Giovanni della Croce, una reliquia che si trova esposta proprio sotto al dipinto, che non si riesce quasi neanche a vedere, dentro al contenitore dorato che la contiene: bisogna leggere la storia per capire di cosa si tratti. Entrambi i disegni ritraggono il Cristo sospeso sulla croce visto dall’alto, un punto di vista davvero singolare

Ho ammirato il quadro da più angolazioni, e ho ascoltato quello che mi trasmetteva. La prima cosa che mi è saltata all’occhio sono stati i colori, la contrapposizione tra il cielo nero, in alto, e le tonalità dell’azzurro del cielo e del mare, in basso, che fanno pensare alle tenebre della morte, e alla luce, ai colori, della vita.

Sotto alla croce, sospesa nel buio, infatti, come un flash, appare un altro mondo, una barca appena approdata dal mare e un uomo che si accinge a mettere i piedi sulla riva, mentre altri si trovano già su quella terra.

Le sensazioni che mi hanno trasmesso le due immagini contrapposte, sono state l’angoscia, la tristezza che genera la morte di un uomo in croce, in antitesi con la gioia dell’arrivo ad un approdo, dell’uomo che, dal mare, giunge a un porto sicuro. Per i credenti, una scontata successione: il sacrificio di dare la vita, per l’inizio di nuova vita.

Ammirando da lontano non si può fare a meno di notare che il Cristo sembra solo appoggiato alla croce, senza chiodi che lo trattengano, sangue, segni di sofferenza, sul corpo; la testa è reclinata quindi non si vede il viso. Nell’insieme, la croce e il corpo formano un perfetto triangolo equilatero sospeso nel buio. Guardando da vicino, l’imbarcazione sulla riva sembra uscire fuori dal mare, e dal quadro, come fosse tridimensionale

L’emozione che mi è salita davanti a questo quadro di Dalí è stata impetuosa e irrefrenabile: mi sono commossa di fronte a tanta bellezza, e anche dopo essere uscita, ed essermi allontanata, lungo la strada ancora ero pervasa da quello che avevo sentito, e facevo fatica a trattenere le lacrime.

Come mi è successo altre volte, mi sono sorpresa e meravigliata, per la capacità degli artisti di arrivare al cuore delle persone e di riuscire a portarci, con il loro talento, a fare un viaggio oltre il tempo, lo spazio, le differenze, in quelle emozioni, in quel sentire che appartengono universalmente a ciascuno di noi.

giugno 2024

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Opere

Già dal trailer, l’ultimo film di Wim Wenders, ha risuonato nella mia anima, ed ho avvertito un desiderio irrefrenabile di vederlo. E non ha tradito le mie aspettative: mi è piaciuto moltissimo!!

Un uomo, a Tokyo, in Giappone, vive le sue giornate tutte uguali.

Fa un lavoro umile, pulisce i bagni pubblici della sua città, con grande dignità ed estrema accuratezza, come se fosse il lavoro più importante del mondo.

Ogni mattina, quando esce di casa, dopo tutti i suoi rituali quotidiani, guarda il cielo sorridendo. Poi va a prendersi un caffè in lattina ad un distributore automatico e se lo beve sul suo furgone.

Si lascia contagiare dalla musica che ama, e dal suono antico delle musicassette, che ascolta mentre va al lavoro; dalle persone strane, e un po’ al limite che incontra, che guarda con rispetto, interesse e curiosità, e anche con grande benevolenza; dalle chiome degli alberi che si stagliano nel cielo blu, che osserva ogni giorno durante la pausa pranzo, nel giardino dove si reca a mangiare il suo sandwich.. .. e in questo mi ha ricordato i momenti in cui anch’io, sdraiata sulla mia amaca in giardino, resto ore a guardare i rami e le foglie delle querce nel cielo!

Hirayama, il protagonista di Perfect days, è un uomo di poche parole, ma la sua presenza parla per lui. Si esprime prevalentemente a cenni e gesti, e parla solo quando non ne può fare a meno, dicendo l’indispensabile. L’essenziale è la sua caratteristica.

Vive con l’essenziale, fa una vita umile e semplice, e – si intuisce – non è sempre stato così, è frutto di una scelta o di una necessità.

Mette tutto se stesso in quello che fa, ed è un uomo gentile, ha grande empatia con il mondo attorno, che guarda e ascolta con interesse.

Vive di abitudini, riti e ritmi: tutto è sempre uguale nelle sue giornate, ma non si percepisce alcuna monotonia o pesantezza, solo ritualità, ordine, e assenza di aspettative.

Vive nel suo mondo, solitario, senza legami, senza tecnologia, principalmente osservando, e sfiorando soltanto la vita degli altri.

Vive nel presente, perché come dice

“adesso è adesso, un’altra volta è un’altra volta”.

Elementare Watson, viene da pensare, ma, poi, cosi elementare non è.

Inforca la sua bicicletta quando si deve muovere nella sua caotica città, al di fuori degli orari di lavoro

Vive in un alloggio semplice, senza doccia, e con poche comodità; va a fare la doccia nei bagni pubblici e lava i suoi abiti di lavoro nelle lavanderie; riserva grande cura, ogni mattina, al riordino della sua stanza, ed annaffia con dedizione le sue piantine; si prende cura di se stesso e del posto nel mondo che si è ricavato; mangia nei soliti posti, dove lo conoscono, e gli portano il solito piatto, senza che debba nemmeno chiedere; la sera legge libri selezionati usati, che compra in un piccolo negozio, alla luce di una lampada, nella sua camera da letto; ascolta le canzoni anni settanta, di Lou Reed, Patty Smith, dei Rolling Stone, di Nina Simone, e così via, ogni giorno andando al lavoro….

Di questo è fatta la sua vita, la sua routine.

Che si svolge con estrema leggerezza, senza il tormento e la noia della ripetizione dei giorni tutti uguali, e senza prospettive immaginate o desiderate.

Anzi, quando si sveglia, ogni mattina, e segue la stessa sequenza di gesti, e poi esce e guarda il cielo, facendo il primo respiro fuori casa, si percepisce il piacere di un nuovo giorno da vivere.

“It’s a new life, for me, yeah. It’s a new dawn. It’s a new day. It’s a new life, for me. And I am feeling good” (Nina Simone)

E’una nuova alba
E’un nuovo giorno
E’una nuova vita
Per me
E’una nuova alba
E’un nuovo giorno
E’una nuova vita per me
E io sto bene

Un nuovo giorno che non ci si aspetterebbe che fosse così apprezzato, visto che è identico a tutti gli altri.

Che ci si aspetterebbe non riservasse incognite, ma che, inevitabilmente, talvolta arrivano. Senza fare nulla.

Oh freedom is mine

That’s what I mean
And this old world is a new world
And a bold world for me

In contrapposizione a questi giorni immutabili, senza prospettive, Hirayama stupisce, a un certo punto, dicendo che

“se non cambiasse qualcosa nella vita tutto sarebbe assurdo.”

Perché lui sa che può fidarsi del domani, dell’ignoto. Del nuovo giorno.

Forse ha imparato dalle sue esperienze; forse ha maturato una saggezza; sicuramente ha fatto delle scelte. E ha imparato ad avere fede e ad accogliere. E che null’altro era possibile fare.

Ha fatto pace con se stesso, e probabilmente con l’ombra di un passato doloroso (che per un attimo si riaffaccia nel suo presente). Ora le ombre le osserva guardando le chiome degli alberi, e la bellezza del gioco di luci ed ombre che fanno nel cielo, e cerca di catturare quell’attimo di luce sfavillante che penetra, con la sua macchina fotografica analogica, ancora col rullino. Il cosiddetto “komorebi”, parola giapponese che definisce questo concetto: il momento in cui la luce filtra tra le foglie degli alberi. Un momento magico, poetico e di rara bellezza, che entusiasma e ricarica. Una danza, un rimando all’impermanenza di tutte le cose, alla verità che non esiste luce senza ombra. Alla ricerca dello spiraglio di luce nell’oscurità. Che non occorre esser chissà dove, per trovarlo: basta il cielo, un albero con le foglie, e un po’ sole che si insinui.

Bisogna attendere oltre i titoli di coda per trovare questo accenno, come se il regista volesse lanciare un ulteriore messaggio che chi resiste fino alla fine e non se ne va prima, avrà il privilegio di comprendere.

Hirayama sembra aver trovato un equilibrio nella sua vita.

Non ci è dato di sapere quanto abbia impiegato, e quanto gli sia costato: possiamo solo immaginarlo da un’emozione che lo travolge, in un momento in cui rincontra il suo passato.

Non ci è dato sapere se sia felice: e qui mi torna alla mente un discorso ascoltato ad una conferenza di Vito Mancuso:

La felicità è un’emozione in balia della realtà, va e viene, è un sentimento dell’ideale.

La gioia è una disposizione che viene dal lavoro interiore, e permane, non dipende dal sapere, dal riconoscimento, ma dal reale, dall’onestà intellettuale, dal voler mettere ordine in idee e sentimenti.

La felicità esalta, mentre la gioia porta tranquillità.

Lui vive con questa tranquillità: è riuscito a trovare nelle piccole cose la gioia, quindi a dare un senso a quel che fa, e alle sue giornate; a mantenere, -nonostante la vita,- l’amore per la vita.

E tutto ciò lo trasmette con il suo sorriso, che emoziona. Con i suoi occhi, che fanno capire che la vita vale la pena di essere vissuta. Anche senza troppo clamore, ma sempre con presenza e attenzione.

E chissà che la vita stessa non gli riservi delle belle sorprese!

Perfect days è un film che può non piacere a tutti: ha pochi dialoghi, non ha colpi di scena, può risultare noioso. Ma ci sono i rumori, le ombre, le espressioni, le musiche meravigliose, le immagini di Tokyo, e dei bagni pubblici, che sembrano talvolta opere d’arte. E soprattutto c’è la vita e tutto il mondo interiore di Hirayama, che ha molto da insegnare.

Soprattutto in un’epoca in cui ci si riempie di cose, persone, aspettative, prospettive; in cui si vive voracemente, egocentricamente, di corsa, accecati dai desideri e dalla mira del successo. Insoddisfatti, distratti, senza pace e spesso senza gioia.

Insegna l’importanza di nutrirsi di bellezza, e di cercare quella bellezza anche impercettibile, fonte di gioia, nelle piccole cose.

E che

Il mondo è fatto di tanti mondi. Alcuni di questi sono connessi tra loro, altri no.

Il film ci mostra un mondo, che può essere un’alternativa. Un mondo discreto e attento, così lontano da quello della visibilità e del clamore in cui siamo abituati a vivere, spesso con frustrazione.

Questo, quello che mi ha trasmesso Perfect days. Io l’ho amato, questo film; ho amato il personaggio di Hirayama (e la straordinaria interpretazione di Koji Yakusho), ho amato i suoi perfect days, e il suo meraviglioso sorriso, il suo essere contento di iniziare ogni nuovo giorno. E se potessi gli lancerei un messaggio:

Insegna anche a me, caro Hirayama, ti prego, come trarre gioia ogni giorno, affinché anche le mie giornate diventino dei “perfect days”

 

Gennaio 2024

Qualche recensione interessante:

https://www.vanityfair.it/article/perfect-days-film-wim-wenders-recensione

Perfect Days, come la routine può salvare il mondo

https://www.doppiozero.com/ombre-e-gabinetti-perfect-days-di-wim-wenders

https://www.spiweb.it/cultura-e-societa/cinema/recensioni-cinema/perfect-days-di-w-wenders-recensione-di-e-marchiori/

https://www.4pareteita.it/2024/01/14/guida-visione-perfect-days-canzoni-libri-wim-wenders/

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